伝統的なビュー：
* 子音： 和音は心地よく安定していると考えられ、多くの場合、完璧な間隔（ユニゾン、オクターブ、完璧な5分の1）とメジャー/マイナーの3分の1に基づいて構築されています。
* 不協和： コードは過酷または不安定であると考えられ、多くの場合、不完全な間隔（秒、7番目、トリトン）に基づいて構築され、拡張/減少間隔があります。
20世紀の再解釈：
1。拡張された高調波語彙：
* Schoenberg、Stravinsky、Bartókのような作曲家は拡張コードを探りました 、従来のトライアドと7番目のコードを超えて間隔を使用しています（例：9番目のコード、11番目のコード）。これらの拡張されたコードは、しばしば従来の子音/不協和音の分類に反しました。
* マイクロトナル音楽 セミトーンよりも小さい間隔を探索し、子音と不協和音の間の線をさらに曖昧にします。
2。文脈的不協和：
*不協和音は、固有の不快感についてではなく、緊張と期待を生み出すことについては 。
*不協和音の和音は、子音の和音に分解されることが多く、高調波運動と解放の感覚を作り出しました。
3。主観的な知覚：
*作曲家は、子音と不協和音の伝統的な概念に挑戦し始めました 音の主観的な体験を強調することによって。
*かつて不協和音と見なされていたものは、繰り返し、文脈、およびリスナーの順応を通じて子音になる可能性があります。
4。新しい美学としての不協和：
*一部の作曲家（シェーンバーグや彼のフォロワーのような）は、彼らの音楽言語の不可欠な要素として不協和音を受け入れました。
*彼らは緊張を生み出すだけでなく、複雑な感情やアイデアを表現するためにも不協和音を使用しました。
例：
* Schoenbergの「Pierrot Lunaire」（1912）： この作品は、伝統的なキーセンターを放棄し、全体を通して不協和音を利用して、Atonalityを使用しています。
* Stravinskyの「The Rite of Spring」（1913）： このバレエスコアは、耳障りな不協和音とリズミカルな複雑さを特徴としており、その初演で聴衆に衝撃を与えました。
* バルトークの「弦、パーカッション、セレスタの音楽」（1936）： この作品は、Bartókが拡張された和音と不協和音を使用して、ユニークで魅惑的なサウンドの世界を作り出すことを紹介しています。
結論：
20世紀には、不協和音の理解と使用における根本的な進化が見られました。作曲家は、伝統的な子音と不協和音の概念から離れ、より広い高調波パレットを受け入れ、不協和を緊張と表現のツールとして文脈化すること、そして最終的に知覚された調和の主観的な性質を認識しました。